Shinichiro Watanabe partilhou as suas reflexões sobre a indústria anime e o processo criativo por trás de Lazarus durante uma entrevista de 40 minutos na Japan Society, em Nova Iorque. O evento, que decorreu ao longo de novembro como parte da série Foreign Exchange curada por LeSean Thomas, ofereceu um raro vislumbre da mente criativa responsável por séries icónicas como Cowboy Bebop e Samurai Champloo.
Durante a conversa com Thomas, Watanabe deixou clara a sua posição sobre uma das questões mais divisivas da indústria, o papel crescente da inteligência artificial na animação. O realizador afirmou que não acredita que a IA conseguirá substituir a paixão humana, identificando esta como o elemento fundamental que permite às séries ressoarem com tantas pessoas. A declaração surge num momento em que a indústria da animação japonesa enfrenta crescentes preocupações sobre o impacto da tecnologia no trabalho criativo.
A paixão é precisamente o fio condutor que atravessou toda a entrevista. Watanabe admitiu que se considera, antes de tudo, um fã de cinema e música, e só depois um diretor. Esta mentalidade levou-o a reunir talentos únicos para Lazarus, incluindo Chad Stahelski, o coreógrafo de ação dos filmes John Wick, para ajudar com as sequências de combate.
A história de como Stahelski se envolveu no projeto revela muito sobre o impacto da obra de Watanabe. O diretor nipónico contactou Stahelski reconhecendo de antemão que o orçamento era muito limitado. A resposta surpreendeu-o, Stahelski e a sua equipa mostraram uma vontade tão forte de trabalhar com ele que ignoraram as limitações financeiras. Watanabe nunca deixou de ficar surpreendido com a intensidade com que outros criadores queriam envolver-se no projeto. De facto, ser apanhado de surpresa foi um tema recorrente durante a entrevista.
Um dos momentos mais reveladores foi quando Watanabe explicou a sua decisão de ter uma equipa de argumentistas dedicada a trabalhar em Lazarus do início ao fim. No Japão, não é invulgar ter uma equipa de escritores a ajudar a desenvolver a premissa geral de uma série, mas aparentemente ter uma writer room dedicada que trabalha na série continuamente é raro. Watanabe pensava que esta era uma abordagem revolucionária, mas mais tarde descobriu que não era assim tão incomum no ocidente quando se trata da produção de animação ocidental.
Quando Thomas tentou perceber se eventos do mundo real influenciaram a história, Watanabe não mencionou nada específico, mas admitiu que o caos do mundo atual inspirou Lazarus. Reconheceu que vivemos numa época em que os acontecimentos da vida real se tornaram mais dramáticos do que uma série.
Uma das características mais marcantes de Watanabe é a sua determinação em não se repetir. Seja um filme, uma série ou uma curta-metragem de animação, quer que cada experiência seja diferente. Após a entrevista, a Japan Society exibiu três projetos de animação consecutivos.
O primeiro foi o episódio inicial de Lazarus, seguido de Baby Blue, uma curta-metragem sobre dois amigos de infância que faltam às aulas para tentarem ir à praia e passar uma última noite juntos. É uma história incrivelmente simples, mas surpreendentemente poderosa, que tem muito espaço para respirar apesar da curta duração. A curiosidade mais interessante revelada por Watanabe foi que ele fez esta curta-metragem como resposta direta a uma conversa que teve com outro criador que afirmou não gostar de matar pessoas nos seus projetos. Watanabe disse, a brincar, que olhou para os seus próprios trabalhos e sentiu-se realmente culpado, por isso decidiu fazer esta curta como resposta.
A seguir foi exibida A Girl Meets a Boy and a Robot, uma curta-metragem de animação especial que quase ninguém tinha visto até então. Só foi exibida em pequenos festivais de cinema e faz parte de um filme-antologia de quatro partes chamado Edge of Time, onde as outras partes são curtas-metragens animadas lideradas por diferentes animadores e diretores. Watanabe brincou dizendo que não é necessário ver as outras partes para compreender ou apreciar esta curta, e até brincou que provavelmente é menos confuso ver apenas esta parte isoladamente.
A curta-metragem segue uma menina pequena com um capuz vermelho que atravessa um deserto naquilo que parece ser um mundo pós-apocalíptico. A maior parte da curta é muito atmosférica, com diálogo muito limitado. Muito tempo é dedicado a desfrutar de paisagens magnificamente renderizadas. O uso do vermelho para coisas como a areia, a ferrugem nas estruturas metálicas deterioradas e até no capuz da jovem, que fez lembrar o Capuchinho Vermelho, ajudou definitivamente a tornar isto visualmente distinto de outras obras de Watanabe.
Naturalmente, a música também é incrível. Há uma forte ênfase no piano e motivos leves que giram em torno do uso de notas de piano muito limitadas. Isto é espelhado por um evento que realmente aconteceu na curta-metragem e foi um dos momentos mais encantadores do filme. A interpretação possível é que a música está a brincar com a ideia de que a harmonia pode ser alcançada mesmo com notas limitadas, da mesma forma que ainda se podem encontrar breves momentos de felicidade num ambiente deteriorado. Os visuais e a música realmente se juntam para vender esta ideia.
