10 animes de ação brilhantes que praticamente ninguém se lembra de ter visto

Poucos esperariam grande coisa de uma adaptação anime baseada num jogo de cartas para smartphone, mas o estúdio MAPPA conseguiu transformar Rage of Bahamut: Genesis numa das histórias de guerra de fantasia mais sólidas da década. Lançado em 2014, o anime segue Favaro Leone, um caçador de recompensas com charme de mercenário, numa missão que rapidamente se transforma em algo muito maior do que ele próprio.

O verdadeiro trunfo da série está na forma como equilibra o espetáculo com o desenvolvimento das personagens. O cavaleiro caído Kaisar Lidfard dá contraponto moral a Favaro, recusando-se a perder o idealismo mesmo quando é ridicularizado por isso, e essa tensão entre os dois torna cada batalha mais interessante do que o habitual confronto entre anjos, demónios e humanos.

O próprio dragão Bahamut nunca é reduzido a uma simples ameaça de fundo. O destino da personagem Amira, diretamente ligado ao despertar da criatura, obriga a narrativa a crescer em complexidade política ao mesmo ritmo que os combates ganham escala, algo raro em produções deste tipo.

Hei está mais próximo de um agente secreto atormentado do que de um herói clássico de shonen, e é precisamente essa escolha que torna Darker than Black uma referência incontornável para quem gosta de ação com um toque mais adulto e melancólico. Cada poder utilizado tem um preço pessoal a pagar, o que transforma os combates em verdadeiras negociações psicológicas em vez de simples trocas de socos.

Essa mecânica dá um peso emocional constante à ação, já que cada uso de habilidade implica um sacrifício visível na personalidade ou nos hábitos da personagem. A presença silenciosa de Yin acompanha essa ideia, pesando na narrativa tanto quanto os confrontos protagonizados por Hei, apesar de raramente trocar palavra com os restantes personagens.

Por trás de tudo isto está o Sindicato, uma organização cuja manipulação de Hei recorda mais as histórias de espionagem da Guerra Fria do que a típica história do género. Essa camada política mantém Darker than Black mais tenso do que a maioria dos animes de ação lançados na mesma época, e ajuda a explicar porque continua a ser tão citado por quem já o descobriu.

Inspirada nas histórias de Mil e Uma Noites, esta série distingue-se logo pela forma como desenha os seus combates. As sequências em que Aladdin equipa o poder dos djinns dão a Magi: The Labyrinth of Magic uma identidade visual muito própria, forçando as personagens a adaptar o seu estilo de luta a mitologias emprestadas em vez de simplesmente acumularem força bruta.

A ascensão de Sinbad, que passa de caçador de masmorras a rei, redefine por completo a estrutura da narrativa, transformando o que começa como ação centrada em arcos numa reflexão sobre ambição e construção de impérios. O percurso de Alibaba, que corre em paralelo ao de Sinbad, mostra o que acontece quando a mesma vontade de vencer encontra muito menos recursos disponíveis.

Poucas séries de fantasia se atrevem a assumir a estrutura de um mistério, mas é exatamente isso que torna Rokka: Braves of the Six Flowers tão interessante. Cada combate funciona também como uma peça dentro de uma investigação em curso, já que um dos membros do grupo pode não ser quem diz ser.

O excesso de confiança de Adlet Mayer serve de distração ao longo da história, escondendo a forma cuidadosa como o argumento vai revelando pistas sobre a identidade do sétimo impostor. Quando o papel de uma determinada personagem na história finalmente vem ao de cima, todo o elenco ganha uma nova leitura, e é aí que a série mostra o quão bem planeada estava desde o início.

A isto soma-se a obsessão de Goldof Auora por Nashetania, que acrescenta mais uma camada de tensão a um enredo já de si repleto de desconfiança entre aliados. É essa disciplina narrativa que faz com que a ação pareça sempre justificada, em vez de servir apenas para preencher tempo de ecrã.

A premissa por trás de Kabaneri of the Iron Fortress mistura steampunk com terror de sobrevivência, mas é a transformação de Ikoma num híbrido de Kabane que dá à série o seu elemento mais perturbador. Ao contrário da maioria das produções sobre zombies, aqui o protagonista precisa de suprimir constantemente a mesma fome que impulsiona a horda inimiga, o que introduz um elemento de horror corporal pouco comum no género.

Essa condição combina-se com o estilo de combate de Mumei para dar à ação um tom de desespero físico bem distante do heroísmo fácil habitual em séries do género. A descida de Biba Amatori ao extremismo, já na segunda metade da história, dá à série um vilão humano à altura do horror representado pelos próprios Kabane, elevando as apostas para muito além da simples sobrevivência.

O comboio blindado que serve de cenário principal funciona como uma verdadeira panela de pressão narrativa, mantendo ação e terror sempre entrelaçados e sem espaço para respirar.

Produzida pelo Bee Train, esta série aposta numa estrutura pouco habitual entre os animes de caçadores de recompensas, a de um road movie. Ao acompanhar Nadie na perseguição a Ellis pelo México e pelo sudoeste dos Estados Unidos, El Cazador de la Bruja ganha um sentido de movimento constante que raramente se vê neste tipo de história.

Os poderes instáveis de Ellis obrigam Nadie a improvisar as suas táticas de combate a cada novo episódio, já que nem ela nem a própria Ellis sabem ao certo o que vai acontecer a seguir. O staff de animação tira partido disso, apostando em paisagens vastas e iluminadas pelo sol que dão aos tiroteios uma sensação de espaço real, longe da estética mais confinada de arena que domina o género.

A pontaria de Nadie com a sua pistola Colt Government .45 acaba por se tornar num reflexo direto do seu passado como mercenária, e a evolução da relação entre as duas protagonistas, de alvo a verdadeira parceira, dá à ação uma base emocional consistente. Não é por acaso que a série é frequentemente comparada a Cowboy Bebop, sobretudo pelo ritmo pausado com que constrói cada momento.

À primeira vista, a premissa de Beelzebub podia facilmente resvalar para a comédia pura e simples, mas a série sustenta as suas piadas com combates de delinquentes dignos de um verdadeiro shonen. As rivalidades entre gangues do liceu de Ishiyama criam apostas que crescem ao longo da história, garantindo que os confrontos protagonizados por Oga têm sempre consequências reais para o enredo.

A rigidez demoníaca de Hilda contrasta na perfeição com a preguiça natural de Oga, e é dessa dinâmica que nasce grande parte do humor da série, sem que isso implique perder profundidade nas personagens. A covardia de Furuichi funciona como uma ferramenta narrativa interessante, permitindo ao espetador ver o perigo crescente de Ishiyama através de alguém que não tem a força bruta de Oga para se defender sozinho.

A rivalidade entre Oga e Toujou Hidetora acaba por ancorar as melhores sequências de ação da série, e o respeito mútuo entre ambos vai-se aprofundando através de confrontos sucessivos, em vez de ser simplesmente explicado por diálogo.

A identidade de Shichika Yasuri como uma espada humana obriga Katanagatari a tratar cada combate como um verdadeiro debate filosófico, já que todo o seu estilo de luta rejeita o uso de lâminas tradicionais. Os planos de Togame levam Shichika a percorrer o Japão em busca das doze espadas lendárias, e cada encontro traz consigo um argumento diferente sobre força, propósito ou sacrifício.

O formato pouco convencional da série, com episódios de cerca de uma hora, dá a cada duelo o espaço necessário para respirar, algo raro num género que costuma privilegiar o ritmo acelerado. Essa escolha permite que o regresso de Nanami Yasuri, irmã de Shichika, se torne no obstáculo mais trágico de toda a história, já que a sua força bruta transforma o reencontro entre os dois num dos momentos mais difíceis da série.

Já o papel da Princesa Hitei, a manipular a missão nas sombras, dá aos planos de Togame uma ameaça política que ultrapassa qualquer duelo isolado com espadas. É essa densidade temática que recompensa a paciência de quem decide dar uma oportunidade a Katanagatari.

A dupla identidade de Rikuo Nura, estudante humano durante o dia e herdeiro de um clã sobrenatural durante a noite, dá a Nura: Rise of the Yokai Clan uma amplitude pouco comum entre os animes do género. As suas transformações não servem apenas para justificar sequências de ação, mas carregam também um peso político considerável dentro da hierarquia da facção que lidera.

A lealdade inabalável de generais como Gyuki e Kubinashi ancora conflitos sobrenaturais grandiosos em relações pessoais e íntimas, o que torna a política interna do clã tão interessante como os próprios combates. A manipulação engenhosa de facções rivais por parte de Hagoromo-Gitsune eleva ainda mais as apostas, sem nunca transformar a série num simples concurso de quem tem mais poder.

O legado de Rihan Nura, pai de Rikuo, paira sobre praticamente todas as decisões do protagonista, ligando diretamente a ação da série a questões de sucessão e liderança dentro do clã. É essa abordagem quase política ao mundo dos yokai que distingue a produção de outras séries centradas em criaturas sobrenaturais.

A decisão de Birdy Cephon Altirra de partilhar o corpo com o jovem Tsutomu Senkawa coloca em risco não apenas a sua missão como agente intergaláctica, mas também a própria autonomia do rapaz. Produzida pelo estúdio A-1 Pictures, a série destaca-se pela forma como anima os combates de Birdy com uma clareza cinética que torna a sua força alienígena algo fisicamente palpável, em vez de meramente abstrato.

A vida adolescente comum de Tsutomu continua a interferir constantemente no trabalho de investigação de Birdy, e é precisamente essa fricção entre o quotidiano e o extraordinário que sustenta os melhores episódios da série.