5 animes da temporada de primavera de 2026 que merecem mais atenção

Tadatoshi Fujimaki ficou conhecido por Kuroko no Basket, uma série de desporto que soube equilibrar ação e personagens de forma quase perfeita. Kill Blue é uma obra completamente diferente em tom e género, mas a mesma capacidade de construir personagens interessantes está lá. A premissa soa absurda, e é mesmo, mas funciona melhor do que qualquer descrição consegue transmitir. Juzo Ogami é um assassino de 39 anos que, após ser picado por uma vespa geneticamente modificada durante uma missão, acorda no corpo de um miúdo de 13 anos. A partir daí, recebe ordens para se infiltrar numa escola enquanto tenta recuperar o seu corpo original.

O que poderia facilmente cair no registo de comédia repetitiva acaba por ter mais substância do que se espera. Ver Juzo a navegar a vida escolar pela primeira vez, sem nunca ter tido uma infância normal, é um dos pontos mais genuinamente tocantes da série. Há uma certa melancolia por baixo do humor, e isso é suficiente para elevar a série acima da média.

As cenas de ação também ganham uma dimensão diferente. Com um corpo de criança, Juzo não pode simplesmente usar força bruta, tem de adaptar toda a sua técnica, o que obriga os guionistas a serem mais criativos do que o habitual neste tipo de série. O resultado são combates que têm lógica interna e que se sentem únicos dentro do género. Kill Blue estreou a 11 de abril de 2026.

O ponto de partida de Marriagetoxin parece uma receita para o caos, e é, mas de uma forma que funciona. Hikaru Gero é um assassino profissional que, por razões familiares, se vê obrigado a encontrar uma noiva. A solução que encontra é contratar Mei Kinosaki, uma burlista especializada em fazer-se passar por pretendente. O que se segue é uma série de datas, situações embaraçosas e, gradualmente, algo que começa a parecer-se com uma ligação real.

O que torna Marriagetoxin mais interessante do que a premissa sugere é o arco de desenvolvimento de Hikaru. É um personagem que passou a vida inteira a matar pessoas e que literalmente nunca aprendeu a interagir com os outros de forma normal. Vê-lo falhar completamente a ler situações sociais básicas resulta em comédia genuína, mas os momentos em que começa a perceber que está a mudar têm peso suficiente para equilibrar o tom.

A série também não abandona o lado de ação. Há outros assassinos envolvidos, cada um com os seus próprios poderes e motivações, e os confrontos entre eles são um dos pontos altos da série. Não é uma série que vai mudar a forma como pensas sobre anime, mas é exatamente o tipo de série que se vê com prazer semana após semana, e isso tem valor.

Esta é provavelmente a série mais difícil de recomendar sem estragar parte da experiência, porque o que a torna especial não é o ponto de partida mas o que acontece a seguir. Começa como um drama escolar sobre arte, Koichi fica fascinado pelo graffiti de Eren durante o liceu, e as suas vidas ficam entrelaçadas. Até aqui, nada de extraordinário.

Depois os personagens crescem. E a série cresce com eles.

O salto temporal para a idade adulta muda completamente o registo da série. Koichi entra no mundo do design e da publicidade e descobre que é um ambiente muito menos glamoroso do que imaginou. As relações que construiu no liceu sofrem com isso. As suas ambições colidem com a realidade. Eren, entretanto, continua a lutar para encontrar formas de expressar a sua arte num contexto que não facilita. É o tipo de narrativa que raramente aparece em anime, honesta sobre o que acontece quando as pessoas que eram uma coisa em adolescentes tentam perceber quem são em adultos.

Não é uma série fácil de ver no sentido em que exige atenção e paciência. Mas para quem procura algo com mais substância emocional do que a média desta temporada, Eren the Southpaw é uma das melhores escolhas disponíveis.

O título comprido afasta muita gente logo à partida, o que é uma pena porque é um dos romances mais bem construídos desta temporada. Maki e Umi tornam-se amigos por acidente, ele é um aluno que se sente um pária na turma, ela é popular mas partilha o gosto dele por filmes de série B de terror. É um ponto de contacto improvável que a série sabe desenvolver sem pressa.

O que distingue esta série de grande parte do que está a ser emitido esta temporada é a qualidade da comunicação entre os dois protagonistas. A tendência do género é prolongar mal-entendidos artificialmente para criar tensão, aqui isso simplesmente não acontece. Quando surgem problemas, os personagens falam sobre eles. Quando há inseguranças ou culpa ou dificuldades com outros amigos, há espaço para os resolver de forma que faz sentido. O resultado é uma progressão romântica que parece merecida em vez de manipulada.

É uma série que não tenta ser mais do que é, e isso é precisamente a sua força. Para quem está saturado de romances que esticam a resolução durante doze episódios, este é o antídoto perfeito.

À superfície, A Hundred Scenes of Awajima parece mais uma série sobre uma escola de artes performativas, um género que já tem os seus representantes esta temporada. Mas a estrutura narrativa que a série escolheu é o que a diferencia de quase tudo o que está a ser emitido agora.

Em vez de seguir um grupo fixo de personagens episódio após episódio, a série opta por uma abordagem quase antológica, cada episódio centra-se em personagens diferentes, mostrando como passaram pela escola Awajima, no presente ou no passado, e o que ficou dessas experiências. As histórias cruzam-se, mas de forma orgânica, sem forçar ligações que não existiriam naturalmente.

O retrato que faz do ambiente competitivo entre adolescentes é um dos mais honestos desta temporada. As dinâmicas entre colegas, a pressão que pais e avós exercem ao tentar impor os seus próprios valores, e as formas como as escolhas feitas na juventude reaparecem anos mais tarde, nada disto é tratado de forma simplista. É uma série que exige mais do espectador em troca de uma experiência mais rica, e que provavelmente será muito mais reconhecida no final da temporada do que é agora.