Nunca gostaste de anime? Estes 10 animes podem mudar isso

Esta série parte de uma investigação policial sombria, alguém está a eliminar, um a um, os robôs mais avançados do mundo, e o detetive Gesicht é encarregado de descobrir quem está por trás dos crimes. O detalhe incómodo é que ele próprio consta da lista de alvos, o que transforma a investigação numa corrida contra o tempo carregada de tensão.

O que torna Pluto tão eficaz junto de quem normalmente evita anime é a forma como a série é conduzida. Em vez de apostar em combates espetaculares ou em cenários futuristas exagerados, o diretor Toshio Kawaguchi opta por um ritmo lento, quase de thriller europeu, onde cada revelação pesa mais do que qualquer sequência de ação. O Studio M2 dedicou vários anos à animação dos oito episódios, e isso nota-se em cada plano, especialmente na forma como os robôs são tratados como veteranos de guerra a carregar traumas, e não como simples armas.

Vale ainda destacar que Atom, mais conhecido fora do Japão como Astro Boy, surge apenas como personagem secundária. Para quem cresceu com uma ideia mais inocente do universo criado por Osamu Tezuka, essa escolha por si só mostra o quanto Pluto se distancia da nostalgia fácil para se focar numa reflexão adulta sobre culpa, guerra e o que realmente significa ter consciência.

Ambientada durante a Lei Seca norte-americana, esta série segue Angelo Lagusa numa missão de vingança contra a família criminosa que assassinou os seus. Para isso, infiltra-se junto de Nero Vanetti, filho do homem responsável pela tragédia, e é essa proximidade que dá à história o seu maior dilema moral.

Um dos motivos pelos quais 91 Days costuma surpreender quem espera clichés visuais tipicamente associados ao anime é a estética. O estúdio Shuka aposta sem reservas em metralhadoras Tommy, bares clandestinos e na linguagem visual clássica do cinema de gângsteres, aproximando a série de um filme de máfia mais do que de qualquer produto japonês convencional. O argumentista Taku Kishimoto, também responsável por Erased, recusa dividir o elenco entre heróis e vilões, preferindo personagens moralmente comprometidas em todas as frentes.

Com apenas doze episódios, a história fecha-se de forma coesa e sem espaço para enchimento, algo raro mesmo fora do universo do anime. É essa condensação narrativa, aliada à amizade complexa entre Angelo e Nero, que faz da obra um bom ponto de partida para quem procura uma saga criminal completa sem se comprometer com dezenas de temporadas.

O ponto de partida é simples, Diva é uma inteligência artificial criada com um único propósito, tornar as pessoas felizes através do canto. Tudo muda quando uma IA vinda do futuro, conhecida como Matsumoto, a recruta para impedir um conflito de um século entre humanos e máquinas.

Ao contrário do que a premissa poderia sugerir, esta não é uma série sobre robôs gigantes ou batalhas espetaculares, mas sim ficção científica no sentido mais clássico do termo, preocupada com consequências, escolhas e o peso de alterar o curso da história. O WIT Studio constrói os treze episódios num ritmo extremamente apertado, sob a direção de Shinpei Ezaki, onde praticamente nada é desperdiçado.

Essa tensão constante vem também do facto de Vivy não poder simplesmente reiniciar os acontecimentos sempre que algo corre mal. Cada decisão tem peso real, o que torna o desfecho da série mais próximo, em impacto emocional, de um longa-metragem do que de uma produção televisiva episódica comum, encerrando tudo numa única temporada sem deixar pontas soltas.

Logo nos primeiros minutos, dois adolescentes conhecidos apenas como Nine e Twelve roubam um dispositivo nuclear e ameaçam Tóquio. A partir daí, a série dedica-se a explicar, ao longo de onze episódios, como dois jovens com uma inteligência fora do comum se transformaram em terroristas domésticos.

Shinichiro Watanabe, conhecido por outros trabalhos com forte identidade musical, opta aqui por uma abordagem sonora diferente da habitual. Yoko Kanno troca o jazz que costuma assinar noutras produções por uma banda sonora inspirada no post-rock islandês, o que confere à série um tom mais frio e contido, quase documental.

A perseguição conduzida pelo detetive Shibazaki dá à história uma estrutura próxima do policial clássico, mas é Lisa Mishima, uma colega de escola vítima de bullying arrastada para o plano dos dois rapazes, que sustenta a verdadeira tensão emocional da história. Sem fillers e com uma duração curta, Terror in Resonance funciona quase como uma minissérie de autor, o que a torna particularmente acessível a quem nunca assistiu a nada do género.

Depois do homicídio da própria mãe, Satoru Fujinuma vê-se enviado dezoito anos para o passado, numa tentativa de impedir a tragédia antes de esta acontecer. Ainda que a viagem no tempo seja o motor da história, o verdadeiro foco da história está noutro lado.

O autor Kei Sanbe constrói a narrativa à volta de um assassínio, e não de sequências de ação, algo reforçado pela direção de Tomohiko Ito e pela produção da A-1 Pictures, que mantêm o cenário de 1988 realista e específico, sem recorrer aos exageros visuais que costumam afastar novos espectadores do anime.

O núcleo emocional da série assenta na relação entre Satoru e a colega de turma Kayo Hinazuki, e é a forma como os adultos à sua volta são escrutinados, com atenção e sem servirem apenas de pano de fundo, que dá à obra a sua maturidade. Fechada em doze episódios, Erased entrega um mistério completo que se resolve como um estudo de personagens sobre negligência adulta, mais do que como um thriller sobrenatural.

A premissa começa quase como uma sitcom, um espião chamado Loid Forger precisa de montar uma família falsa para cumprir uma missão. O problema, ou melhor, a piada central da série, é que tanto a filha adotada, Anya, como a esposa, Yor, escondem os seus próprios segredos, sendo respetivamente telepata e assassina profissional.

É precisamente essa ironia estrutural, em que cada membro da família esconde algo dos outros dois, que dá a cada episódio um motor de comédia próprio, sem exigir anos de contexto para funcionar. Os estúdios CloverWorks e WIT Studio mantêm uma animação limpa e expressiva, sem recorrer a atalhos visuais tipicamente associados ao anime, o que ajuda a série a soar familiar mesmo a quem só conhece comédias ocidentais.

Essa familiaridade não é acidental. Spy x Family aproxima-se mais de uma comédia de espionagem ao estilo ocidental do que de produtos de nicho pensados exclusivamente para fãs de longa data, o que explica em boa parte o sucesso que teve junto de públicos que normalmente não se interessam por animação japonesa.

Antes mesmo de a história começar, os irmãos Edward e Alphonse Elric perdem a mãe, o próprio corpo e a infância, resultado de um ritual de alquimia proibido que corre terrivelmente mal. É a partir dessa perda que se desenrola uma das produções mais aclamadas da última década e meia.

O estúdio Bones adapta o mangá original de Hiromu Arakawa ao longo de sessenta e quatro episódios, sem deixar o ritmo cair em nenhum momento, ainda que a história equilibre política militar, horror corporal e uma enorme densidade filosófica. Um dos pilares da narrativa é o conceito de troca equivalente, que funciona simultaneamente como regra central do universo e como a sua maior tragédia pessoal para os protagonistas.

Sob a direção de Yasuhiro Irie, a série fecha todas as pontas soltas deixadas por adaptações anteriores da mesma obra, entregando um final satisfatório mesmo a quem nunca teve contacto prévio com o mangá ou com a primeira versão animada. É essa seriedade moral, mais próxima de um romance do que da generalidade dos produtos dirigidos a adolescentes, que faz de Fullmetal Alchemist Brotherhood um ponto de entrada tão sólido no género.

À primeira vista, esta série parece uma simples crónica sobre um motorista de táxi aborrecido com a vida. As conversas noturnas de Odokawa com os seus passageiros acabam, no entanto, por ligar um caso de pessoa desaparecida, uma dívida de jogo e um escândalo envolvendo uma idol, numa teia que se revela muito mais complexa do que aparenta.

O argumentista Kazuya Konomoto estrutura a história quase como um guião dos irmãos Coen, cheio de coincidências que acabam por fazer sentido e personagens cujas decisões pequenas têm consequências desproporcionais. O design visual, que combina cabeças de animais com corpos humanos, poderia facilmente parecer um simples efeito estético, mas a escrita nunca o trata dessa forma.

Com treze episódios e todas as pontas soltas resolvidas até ao final, Odd Taxi entrega um mistério autónomo e completo, sem exigir compromisso com futuras temporadas. O estilo visual discreto do estúdio OLM e os diálogos realistas aproximam a obra de um drama policial independente, distante do espetáculo que normalmente se associa ao anime.

Makoto Edamura, um pequeno vigarista japonês, é recrutado pela equipa internacional de Laurent Thierry, e é esse convite que leva a série por Los Angeles, Londres, Singapura e Xangai. Cada arco funciona como um golpe autónomo, com o seu próprio elenco de alvos, motivos e traições.

O diretor Hiro Kaburaki e o WIT Studio constroem a série em torno de cenários vivos e estilizados, mais próximos de uma novela gráfica do que da estética habitual do anime, dando a cada cidade a sua própria paleta de cores e atmosfera. Essa divisão em quatro casos distintos permite que cada parte funcione quase como um filme independente dentro da mesma série.

A dinâmica entre os instintos de pequeno larápio de Edamura e a operação muito mais ambiciosa de Laurent cria uma relação de mentoria que ultrapassa facilmente barreiras culturais e linguísticas, o que ajuda a explicar por que razão Great Pretender costuma agradar a fãs de filmes de assaltos que nunca tinham considerado ver anime.

David Martinez começa como um adolescente sem recursos em Night City e termina como um mercenário sobrecarregado de implantes cibernéticos, num arco de ascensão e queda que lembra mais uma tragédia criminal do que uma fantasia de poder. O Studio Trigger, sob a direção de Hiroyuki Imaishi, condensa toda essa jornada em apenas dez episódios, sem fillers a atrasar o desfecho.

Ainda que a série se passe no universo do videojogo Cyberpunk 2077, nunca é exigido qualquer conhecimento prévio da obra original para acompanhar a história. O foco está sempre em David e em Lucy Kushinada, cujo percurso dá à história o seu núcleo emocional mais forte.

É precisamente essa brevidade, combinada com um final brutal e sem filtros, que torna Cyberpunk: Edgerunners uma das formas mais rápidas de experimentar uma história completa e emocionalmente marcante dentro do universo do anime, ideal para quem quer perceber o género numa única sessão.