10 animes que continuam a dividir os fãs entre o amor e o ódio

É difícil falar de mecha sem mencionar Neon Genesis Evangelion. A série ajudou a redefinir o género ao afastar-se das batalhas de robôs mais tradicionais para se focar no colapso psicológico das suas personagens, um território que praticamente nenhum anime anterior tinha explorado com tanta profundidade. Essa ousadia valeu-lhe o estatuto de clássico incontornável, citado até hoje como influência direta em dezenas de outras produções.

O problema, para muitos fãs, começa precisamente onde a série termina. Os últimos episódios abandonam quase por completo a estrutura narrativa convencional para mergulhar num terreno abstrato e introspetivo, uma decisão que na altura dividiu a audiência entre quem viu ali um final corajoso e coerente com a proposta da obra, e quem sentiu que ficou sem resposta às questões levantadas ao longo da temporada. Décadas depois, esse desfecho continua a ser um dos temas mais debatidos sempre que se fala da série, e ajuda a explicar porque Evangelion nunca deixou de ser tão discutido como admirado.

Poucas séries testam tão bem os limites entre violência com propósito e violência gratuita como Elfen Lied. A animação é cuidada, a banda sonora é frequentemente apontada como um dos pontos altos da obra, e a história de Lucy funciona como metáfora para temas como exclusão social e preconceito, algo que os fãs mais dedicados destacam sempre que defendem a série.

Ainda assim, é impossível ignorar o peso visual de várias cenas, que recorrem a um nível de brutalidade capaz de afastar até espetadores habituados a conteúdo mais pesado. Para uma parte do público, esse recurso constante ao choque acaba por diluir a mensagem que a obra tenta transmitir, transformando o que poderia ser uma crítica social intensa numa experiência que parece existir apenas para chocar. É esse contraste entre profundidade temática e excesso visual que mantém Elfen Lied como um dos títulos mais debatidos do seu género.

Poucas estreias recentes geraram tanto entusiasmo inicial como Darling in the Franxx. A premissa, centrada em jovens pilotos usados como última linha de defesa da humanidade, combinava ação, ficção científica e um desenvolvimento emocional pouco comum no género mecha, o suficiente para conquistar rapidamente uma base de fãs sólida nas primeiras semanas de exibição.

O problema surgiu à medida que a história avançava. A reta final é frequentemente descrita como uma quebra de ritmo e de coerência face a tudo o que tinha sido construído até ali, com decisões sobre o destino das personagens principais a dividir opiniões de forma quase imediata. Ainda hoje, é comum encontrar fãs que recomendam a série apenas até determinado ponto, avisando que o desfecho pode comprometer a experiência de quem se apaixonou pela primeira metade da história.

O conceito por trás de Beastars, um mundo habitado por animais antropomórficos onde convivem predadores e presas, garante-lhe um lugar de destaque entre as produções mais originais dos últimos anos. Para além da premissa, a série é elogiada pela qualidade da animação e por uma exploração de identidade e desejo pouco habitual em produções voltadas para um público mais jovem.

Esse mesmo conceito é, no entanto, o principal motivo pelo qual muita gente recusa dar-lhe uma oportunidade. A ideia de personagens animais envolvidas em situações de teor mais adulto costuma gerar reações imediatas, e a série acaba frequentemente resumida a esse aspeto antes de qualquer análise mais aprofundada ao seu enredo ou às suas personagens. Essa barreira inicial cria uma divisão clara entre quem consegue olhar além da premissa e quem nunca chega a dar-lhe essa hipótese.

Devilman Crybaby distingue-se por um dos finais mais desesperançados da animação japonesa recente. Ao contrário da maioria das produções do género, aqui não há vitória final nem redenção para o protagonista, e é essa disposição de levar a narrativa até às últimas consequências que lhe garante um lugar entre as séries mais marcantes da última década.

É também aí que reside a divisão. Para uma parte do público, esse desfecho sombrio é o que torna a obra memorável, uma forma honesta de encerrar uma história sobre a fragilidade da condição humana. Para outros, a curta duração da série não permitiu desenvolver devidamente o peso emocional necessário para que o final tivesse o impacto pretendido, deixando a sensação de que a mensagem chegou de forma demasiado abrupta.

Mirai Nikki (Future Diary) tornou-se um dos nomes mais associados ao género battle royale, com um enredo centrado numa disputa entre participantes que competem, literalmente, pela sobrevivência. O ritmo acelerado, a violência constante e as reviravoltas frequentes ajudam a explicar porque continua a ser recomendado a quem procura algo mais intenso dentro do universo shonen.

A polémica em torno da série tem, no entanto, um nome próprio: Yuno Gasai. A personagem tornou-se um dos exemplos mais citados sempre que se discute o arquétipo yandere, precisamente pela forma como a sua obsessão por Yukiteru é retratada ao longo da história. Mesmo entre quem gosta da série, é comum o reconhecimento de que a relação entre as duas personagens está longe de ser saudável, algo que continua a alimentar discussões sobre até que ponto essa dinâmica foi romantizada em vez de criticada.

Fairy Tail construiu, ao longo de mais de uma década, um dos elencos mais alargados do shonen, com histórias de fundo capazes de gerar ligação emocional genuína com o público. A ideia central da série, a força dos laços entre companheiros de guilda, ajudou a torná-la numa referência de conforto para muitos fãs do género.

É precisamente essa mesma ideia que costuma ser apontada como o seu maior defeito. A repetição da fórmula amizade acima de tudo ao longo de centenas de episódios acabou por cansar parte do público, que passou a ver a série como previsível. A isso soma-se o aumento do fan service em arcos mais avançados, um fator frequentemente citado por antigos fãs como o momento em que deixaram de acompanhar a história com o mesmo entusiasmo inicial.

Estreada em 2012, Sword Art Online teve um papel decisivo na popularização do isekai junto do público ocidental, muito antes de o género se tornar tão saturado como é hoje. A premissa, um jogo de realidade virtual onde morrer dentro do jogo significa morrer na vida real, continua a atrair novos espetadores mais de dez anos depois da estreia.

Essa longevidade não livrou a série de críticas persistentes. A falta de evolução de algumas personagens, sobretudo ao longo dos arcos intermédios, e uma adaptação frequentemente descrita como inferior ao material original em que se baseia são apontadas há anos por parte da comunidade. Ainda assim, o sucesso comercial da franquia garantiu-lhe continuidade suficiente para se tornar um dos nomes mais reconhecíveis do isekai, mesmo entre quem nunca a recomendaria sem ressalvas.

Poucas séries recentes dividem tanto como Mushoku Tensei: Jobless Reincarnation. Produzida pelo Studio Bind, a obra é apontada por grande parte da crítica e do público como uma das melhores interpretações modernas do isekai, com uma animação cuidada e um desenvolvimento de personagens que contrasta com muitas outras produções do mesmo género.

O elogio técnico e narrativo não impede que a obra continue a gerar desconforto junto de uma parte considerável do público, e o motivo tem nome: Rudeus Greyrat. O comportamento do protagonista nos primeiros episódios, que inclui atitudes desconfortáveis para com personagens menores de idade, é frequentemente apontado como o principal entrave a uma recomendação sem reservas. Para muitos fãs, esse aspeto nunca chega a ser devidamente confrontado pela narrativa, o que mantém viva a discussão sobre até que ponto a evolução do protagonista ao longo das temporadas seguintes compensa, ou não, esse início problemático.

Poucas séries têm uma identidade visual tão reconhecível como JoJo’s Bizarre Adventure. As poses exageradas, os efeitos sonoros escritos diretamente no ecrã e um estilo de combate que mistura ação e comédia com igual naturalidade tornaram-na numa referência cultural que ultrapassa em muito o público habitual de anime, influenciando moda, música e até videojogos fora do Japão.

Essa mesma identidade é, ao mesmo tempo, aquilo que afasta uma parte do público. O tom exagerado, os momentos de humor inseridos no meio de batalhas intensas e as referências constantes à cultura pop dividem opiniões desde sempre, com fãs a considerarem esses elementos parte essencial do charme da série, e outros a vê-los como uma distração face ao potencial dramático da história.