10 animes dos anos 90 cuja animação continua a impressionar

Para muitos fãs, é impossível separar Cowboy Bebop da sua identidade visual, tão marcante quanto a própria história. O diretor Shinichiro Watanabe foi buscar inspiração a clássicos do cinema ocidental, como 2001: Odisseia no Espaço e Alien, para construir um universo interestelar que se sente simultaneamente vasto e claustrofóbico.

Essa base cinematográfica cruza-se com códigos do western e do noir, dando origem a um ambiente sombrio, quase melancólico, que reforça o tom existencialista da série. Não é por acaso que tantos momentos ficam gravados na memória, a fotografia sombria, os enquadramentos cuidados e a banda sonora jazz trabalham em conjunto para criar uma atmosfera que oscila entre a introspeção silenciosa e a explosão de ação.

Curiosamente, apesar de se passar num futuro distante, muitos elementos de Cowboy Bebop mantêm um ar propositadamente analógico, quase old-fashioned. Essa escolha estética ajuda a série a envelhecer bem e explica, em parte, porque continua a conquistar novos públicos décadas depois da estreia.

Se existe um anime responsável por moldar visualmente o género cyberpunk, esse é Ghost in the Shell. A paleta dominada por azuis escuros e pretos tornou-se quase sinónimo de retrofuturismo, influenciando produções muito para além do universo do anime e do mangá.

Essa escolha cromática não é apenas estética, reforça diretamente os temas centrais da obra, como a desumanização e a fusão entre corpo e tecnologia. A cidade onde a história decorre parece existir dentro de um sistema informático, com reflexos, ecrãs e néons a substituir praticamente qualquer traço de luz natural.

O impacto desta linguagem visual mantém-se atual. A nova adaptação, The Ghost in the Shell, produzida pelo estúdio Science Saru, estreou a 7 de julho de 2026 em exclusivo na Amazon Prime Video e promete aproximar-se ainda mais da obra original de Masamune Shirow. Ainda que o traço tenha sido atualizado, aquela identidade azul e negra continua a ser um ponto de referência incontornável para qualquer novo projeto ligado à franquia.

As cores vivas dos EVA e dos plugsuits das personagens principais tornaram-se, ao longo dos anos, quase um logótipo não oficial de Neon Genesis Evangelion. O azul, o vermelho, o verde e o roxo aparecem de forma tão consistente que qualquer fã reconhece a série apenas por essa paleta.

O género mecha já recorria a tons vibrantes antes desta série, mas Evangelion destacou-se por desconstruir as convenções visuais e narrativas que até então dominavam o género. Em vez de robôs impecáveis e heróis idealizados, a série optou por um design mais cru, quase desconfortável, coerente com os temas psicológicos que explora.

Esse cuidado estende-se ao desenho das próprias personagens. O designer Yoshiyuki Sadamoto deu a Shinji um olhar e um corte de cabelo tradicionalmente associados a personagens femininas, uma escolha que reforça as camadas relacionadas com puberdade e identidade de género presentes ao longo da história. É este tipo de detalhe que continua a alimentar análises e releituras da série três décadas depois.

Ao contrário de boa parte dos animes lançados na mesma década, Perfect Blue optou por um traço realista, quase contido, para intensificar o seu horror psicológico. O diretor de animação Hideki Hamasu apostou em proporções naturais e em expressões faciais subtis, evitando o exagero habitual em favor de uma linguagem mais próxima do cinema live-action.

Essa escolha faz toda a diferença na forma como a história é sentida. Pequenas variações no olhar ou na postura da protagonista Mima ganham um peso desproporcional à medida que a fronteira entre realidade e ficção se dissolve, deixando o espetador tão desorientado quanto a personagem.

O filme prova ainda que um estilo visual marcante não precisa de recorrer a imagens espalhafatosas. Ruas comuns, apartamentos modestos e ecrãs de televisão tornam-se progressivamente opressivos, e é precisamente essa contenção visual que torna Perfect Blue um dos títulos mais inquietantes da década.

Serial Experiments Lain constrói praticamente toda a sua atmosfera a partir do vazio. A paleta contida e os cenários despidos refletem o isolamento e o mistério que atravessam a narrativa, criando uma sensação de nada que acompanha na perfeição a exploração de temas como identidade, tecnologia e internet.

Em vez de apostar em grandes espetáculos futuristas, a série prefere trabalhar com detalhes discretos, sombras pesadas, silêncios visuais e imagens surreais que sugerem mais do que mostram. É esse minimalismo que transforma o Wired, o espaço digital onde grande parte da história decorre, numa presença tão inquietante quanto qualquer personagem.

O responsável pelo design das personagens, Yoshitoshi Abe, tornou-se conhecido mais tarde pela forma pouco convencional como trabalha, chegando a mostrar publicamente vídeos em que desenha apenas com o dedo em ecrãs táteis. Essa curiosidade reforça a fama de artista tecnologicamente irreverente que sempre se colou ao seu nome, e ajuda a explicar porque é que o seu trabalho em Lain continua a parecer tão à frente do seu tempo.

Poucos animes da década arriscaram tanto visualmente como Revolutionary Girl Utena. Os designs de personagens, claramente inspirados no shojo clássico, cruzam-se com motivos florais recorrentes e cenários teatrais que dão à série um ar mais próximo de uma peça de teatro do que de uma produção de animação convencional.

Quase todas as cenas escondem alguma camada de simbolismo. Imagens repetidas, iluminação dramática e ambientes propositadamente artificiais reforçam temas como identidade, poder e revolução, convidando o espetador a olhar para além da superfície visual.

A arena onde decorrem os duelos, com a sua arquitetura impossível e transformações surreais, continua a ser um dos cenários mais lembrados de toda a história do anime. Em vez de procurar realismo, Revolutionary Girl Utena abraça a abstração, e é precisamente essa liberdade criativa que mantém a série tão influente junto de artistas ligados ao género shojo e mahou shoujo.

Dear Brother, também conhecido pelo título original Oniisama e…, capta toda a delicadeza associada ao mangá shojo clássico. Adaptado da obra de 1974 de Riyoko Ikeda, o anime aposta em traços finos, cabelos fluidos e uniformes escolares elaborados que reforçam desde o primeiro episódio o tom romântico da história.

Essa suavidade visual, no entanto, esconde uma narrativa muito mais complexa. Por trás da estética delicada, a série aborda temas como obsessão, ciúme e pressão social, criando um contraste que torna a experiência ainda mais intensa.

Grande parte desse impacto deve-se ao trabalho do diretor Osamu Dezaki, conhecido pelo uso de técnicas cinematográficas muito próprias, como a iluminação dramática e as composições em camadas que transformam confrontos emocionais em verdadeiros momentos de cinema dentro do anime.

O visual de Vash the Stampede dispensa apresentações para quem cresceu a ver anime nos anos 90. O casaco vermelho, o cabelo loiro desafiando a gravidade e os óculos de sol enormes ajudaram a transformá-lo num dos protagonistas mais reconhecíveis da época, ao ponto de continuar a inspirar cosplay e merchandise décadas depois.

Esse cuidado visual estende-se ao resto do elenco. As personagens de Trigun têm expressões marcadas e silhuetas facilmente identificáveis, o que permite à série equilibrar momentos de comédia com temas bem mais sombrios sem nunca perder coerência.

A mistura entre a iconografia clássica do western e uma ficção científica colorida deu a Trigun uma identidade visual única para a televisão do final dos anos 90. Paisagens áridas contrastam com cidades futuristas, tecnologia avançada e armamento imaginativo, criando um mundo que continua a parecer, ao mesmo tempo, familiar e completamente original.

Poucas séries deixaram uma marca tão duradoura na moda dentro do anime como Sailor Moon. Cada personagem tem uma paleta de cores, penteado e uniforme próprios, o que torna qualquer uma delas reconhecível à primeira vista e reforça, de forma quase intuitiva, a personalidade de cada personagem.

Essa identidade visual bebe de várias fontes: moda, mitologia e o mangá shojo tradicional. O resultado é uma série capaz de equilibrar o quotidiano escolar mais banal com momentos de fantasia deslumbrante, sem que a transição entre os dois mundos alguma vez pareça forçada.

As transformações, com as suas fitas longas, efeitos de brilho e motivos celestiais, ajudaram a consolidar um estilo que ultrapassou largamente o género mágico. Sailor Moon abriu caminho para protagonistas femininas fortes dentro do anime, e essa influência continua bem visível em produções atuais.

Poucos animes dos anos 90 conseguiram unir fantasia e ficção científica com tanta naturalidade como The Vision of Escaflowne. O mundo criado para a série está repleto de reinos medievais, castelos imponentes e florestas exuberantes, elementos que contrastam de forma deliberada com os imponentes mechas Guymelef que também fazem parte da história.

Os designs de personagens de Nobuteru Yuki reforçam essa combinação, complementando figurinos e arquitetura de inspiração europeia com um traço refinado, quase saído de um livro de histórias ilustrado. Cada personagem parece pertencer simultaneamente a um conto de fadas e a uma epopeia de ficção científica.

Os fundos pintados em grande escala e a direção cinematográfica ajudam a elevar tanto os momentos mais intimistas como as batalhas de maior fôlego. É essa capacidade de equilibrar romance, fantasia e ação mecha, sem nunca sacrificar a identidade visual, que continua a tornar The Vision of Escaflowne um dos títulos mais bonitos da sua geração.