Estes 10 animes mudam tudo a meio e ninguém está preparado

Kill la Kill é, nos primeiros episódios, um anime de ação completamente fora dos padrões, irreverente, exagerado, cheio de energia. Ryuko Matoi chega à Honnouji Academy à procura do assassino do seu pai e vai enfrentando, semana após semana, os membros do conselho estudantil numa estrutura que imita deliberadamente o formato “monstro da semana” dos animes de magical girl clássicos. É divertido, é criativo, mas parece contido dentro de uma fórmula.

O que acontece a seguir não é uma simples escalada de dificuldade. Com a introdução de Ragyo Kiryuin como antagonista central, Kill la Kill transforma-se numa série completamente diferente, mais sombria, mais bizarra, e com uma mitologia que dificilmente alguém esperaria de um anime sobre uniformes escolares com poderes mágicos. Os antigos inimigos de Ryuko tornam-se aliados, as motivações complicam-se, e a série ganha uma dimensão emocional que a primeira metade mal deixava adivinhar.

O que torna esta viragem particularmente bem conseguida é que, olhando para trás, os sinais estavam sempre lá. O Studio Trigger não mudou de ideias a meio, tinha um plano, e a primeira metade era o prólogo disso mesmo.

Gurren Lagann apresenta-se como um anime de robôs exuberante, quase uma homenagem aos super robôs dos anos 70 e 80. Simon e Kamina vivem debaixo da terra, sonham com a superfície, e a série tem uma energia de aventura juvenil que é contagiante e deliberadamente ingénua. Tudo parece seguro. Tudo parece previsível da melhor maneira possível.

E depois o episódio 8 acontece.

A morte de Kamina, o deuteragonista, o personagem mais carismático da série, aquele em torno do qual tudo parecia girar, é um dos momentos mais chocantes de todo o anime. Não porque seja gratuita, mas porque é tratada com uma seriedade que a série até ali não deixava antever. A partir desse ponto, Gurren Lagann torna-se outra coisa, mais melancólico, mais pesado, mas também mais ambicioso.

O salto temporal que vem mais tarde, e a consequente elevação do conflito de uma batalha planetária para uma guerra pelo destino do universo inteiro, podia facilmente parecer ridículo. Em vez disso, parece inevitável. É o tipo de escalada que só funciona porque a série construiu personagens em que o espectador acredita genuinamente.

A versão animada de Trigun de 1998 é, nos seus primeiros episódios, uma comédia de ação descontraída. Vash the Stampede é um pistoleiro com uma bounty absurda na cabeça, mas que parece incapaz de magoar alguém de propósito, é caótico, palhaço, e completamente improvável como protagonista de um western espacial. A série deixa-te rir muito antes de te deixar pensar.

Mas Trigun sabe o que está a fazer. A cada episódio que passa, a comédia vai dando lugar a algo mais sério, e quando a transição está completa, o espectador já não consegue ir a lado nenhum, está demasiado investido. Os temas que a série passa a explorar, violência, culpa, pacifismo absoluto num mundo que não tem lugar para ele, são tratados com uma maturidade que contrasta completamente com o registo inicial.

Esta mudança não é acidental. O mangá original de Yasuhiro Nightow deu origem a uma sequela, Trigun Maximum, muito mais longa e sombria, e a série de 1998, mesmo tendo sido produzida antes do mangá terminar, captou esse espírito de forma surpreendentemente fiel na sua segunda metade.

Princess Tutu é o tipo de anime que é fácil subestimar pelo título. Os primeiros episódios confirmam aparentemente os preconceitos, é um conto de fadas com influências do ballet, com uma estrutura episódica gentil e um tom reconfortante. Parece algo pensado para um público muito jovem, ou para quem quer descansar o cérebro.

Então a série começa a fazer as personagens questionarem a sua própria existência dentro da narrativa e tudo muda.

O que Princess Tutu constrói na sua segunda metade é uma das explorações mais inteligentes de meta-ficção em anime. As personagens percebem que são personagens, que há um autor a escrever o seu destino, e que a única forma de sobreviver é desobedecer ao guião. Drosselmeyer, o criador dentro da história, torna-se o verdadeiro antagonista, não por ser cruel, mas porque insiste em que a tragédia é a única narrativa válida.

É uma série que usa a linguagem do conto de fadas para fazer perguntas genuinamente filosóficas sobre livre-arbítrio e narrativa. Ninguém que a começa a ver pelos títulos o adivinharia.

Há animes que toda a gente conhece, mesmo quem não vê anime. Death Note é um deles, e a razão pela qual chegou a esse estatuto tem um nome: L. O confronto intelectual entre Light Yagami e o excêntrico detetive é um dos duelos mais tensos e bem escritos de toda a animação japonesa. Cada episódio parece um jogo de xadrez em que qualquer peça pode ser sacrificada a qualquer momento.

O episódio 25 sacrifica L.

É uma decisão que dividiu a fandom de Death Note de forma permanente, e provavelmente sempre vai. Por um lado, é corajosa, matar o personagem mais popular da série a meio do caminho é exatamente o tipo de risco que as grandes histórias precisam de correr. Por outro, o que vem a seguir, Near e Mello como sucessores de L, nunca conseguiu reproduzir a mesma tensão. O ritmo acelera, a profundidade psicológica dilui-se, e a série termina de forma que muitos consideram apressada.

Mas talvez seja isso mesmo que torna Death Note tão fascinante como caso de estudo, é uma série que prova que uma viragem narrativa ousada pode ser simultaneamente o melhor e o pior momento de uma obra.

Hunter x Hunter (2011) já era uma série fora do comum antes de chegar ao Arco das Formigas Quimera. Cada arco tinha a sua própria identidade, o seu próprio tom, o seu próprio conjunto de regras. Mas nada preparava o espectador para o que acontece entre o episódio 76 e o 136, 61 episódios que constituem, por larga margem, a secção mais densa e perturbante de toda a série.

O que torna este arco extraordinário não é só a escala, é a mudança de perspetiva. Gon e Killua, os protagonistas com quem o espectador passou dezenas de episódios a criar laços, são parcialmente relegados para segundo plano. Em vez disso, a série decide desenvolver com profundidade filosófica o vilão Meruem, o Rei das Formigas Quimera, uma criatura que começa como uma ameaça apocalíptica e se transforma, lentamente, em algo muito mais complicado do que isso.

É o tipo de decisão criativa que devia falhar e não falha. O Arco das Formigas Quimera é frequentemente citado como um dos melhores arcos de toda a história do shōnen, e é exatamente porque o anime teve a coragem de se tornar algo que ninguém esperava que ele fosse.

Katekyo Hitman Reborn! teve um começo difícil. A premissa, um tutor bebé e assassino contratado que treina um adolescente fraco para se tornar chefe da máfia, tem potencial, mas os primeiros episódios são essencialmente uma comédia de gags episódica sem grande ambição. A série não conquistou ninguém com esse arranque.

Cerca de 20 episódios depois, algo mudou. A comédia foi ficando para trás e Reborn! revelou que tinha sempre tido uma história de ação muito mais séria debaixo da superfície, com sistemas de poder elaborados, arcos longos e bem construídos, e personagens que cresceram de forma genuína. A mudança de registo é suficientemente brusca para surpreender quem sobreviveu aos primeiros episódios, e suficientemente bem executada para os recompensar.

A popularidade da série disparou. Não durou para sempre, o anime acabou por perder força na reta final e caiu progressivamente no esquecimento, mas o que Reborn! conseguiu durante o seu auge foi uma prova de que um arranque fraco não tem de ser definitivo.

Attack on Titan foi um fenómeno desde o primeiro episódio. A premissa era simples e eficaz, a humanidade confinada atrás de muralhas gigantescas, ameaçada por Titãs que devoram pessoas sem propósito aparente. Era sombrio, era urgente, e tinha a energia de uma série que não tinha medo de matar personagens. Durante três temporadas, esse foi o contrato com o espectador.

A quarta temporada começa e o contrato é rasgado completamente.

O primeiro episódio da temporada final parece literalmente outro anime, novos personagens, novo cenário, um foco em política e estratégia militar em vez de combate desesperado. Os Titãs ainda existem, mas já não são o verdadeiro tema, o que a série quer explorar agora é a natureza da guerra, do ciclo de vingança, e da impossibilidade de separar vítimas quando o conflito tem gerações de história por trás. Eren Yeager, o protagonista de sempre, torna-se uma figura que o espectador já não sabe como classificar.

É uma das maiores e mais arriscadas viragens narrativas da história do anime moderno, e também, para muitos, uma das mais recompensadoras.

Gintama tem uma reputação que o precede, é o anime mais engraçado da história, um arquivo interminável de paródias, referências culturais e humor absurdista que atravessa décadas de produção. Essa reputação é merecida. Durante muitos dos seus arcos, Gintama é genuinamente difícil de ver sem pausar para respirar de tanto rir.

Mas a partir da quarta temporada, a série começa a encadear algo diferente. Os arcos dramáticos, que sempre tinham existido pontualmente, passam a ser a norma, longos, emocionalmente densos, com apostas reais para personagens em quem o espectador passou centenas de episódios a investir. O passado de Gintoki, a história da resistência contra os Amanto, as relações que definem toda a série, tudo isso converge numa fase final que é, de forma inesperada, uma das melhores histórias de shōnen da última geração.

O que Gintama nunca perde, mesmo nos momentos mais sombrios, é o sentido de humor. Ri-se de si própria mesmo quando as personagens estão a morrer. É um equilíbrio que devia ser impossível de manter e que a série mantém com uma facilidade que parece sobrenatural.

Samurai Flamenco é o exemplo mais radical desta lista e provavelmente o mais divisivo. A série começa como um drama realista e charmoso sobre um modelo chamado Masayoshi Hazama que decide tornar-se super-herói sem ter qualquer poder, treino especial, ou equipamento relevante. É ingénuo de uma forma que funciona, há algo genuinamente emocionante em ver alguém perseguir um ideal ridículo com total seriedade.

No final do episódio 7, um monstro gigante aparece do nada. Não de forma metafórica. Literalmente.

É o começo de uma série de viragens que nunca para. Samurai Flamenco reinventa-se repetidamente ao longo dos seus episódios, passando por géneros e premissas completamente diferentes, sempre escalando para territórios mais estranhos e mais imprevisíveis. Há quem abandone a série com raiva depois da primeira reviravolta; há quem a considere um dos exercícios mais interessantes de desconstrução do género super-herói fora dos Estados Unidos.

O que não se pode negar é que Samurai Flamenco é uma série que nunca deixa o espectador confortável e faz isso de forma completamente intencional.